JOHNNY CASH - The sun years (1990-flac)

Il aurait pu être le héros du livre Les Raisins de la Colère de Steinbeck. John R. Cash naît pendant la Grande Dépression au sein d’une famille de sept enfants. Pour oublier la famine qui les frappe, sa mère Dolly chante du folk à tue-tête toute la journée. Johnny, désireux de l’accompagner, s’improvise guitariste. A 12 ans, il commence même à écrire ses premières chansons mais sa «jeune carrière» est mise en suspens lorsque son frère Jack trouve la mort, déchiqueté par une scie circulaire.

Ca n’est que six ans plus tard, alors qu’il est dépêché dans un corps militaire en Allemagne qu’il ose retoucher une guitare. Il fondera même un groupe : les Landsberg Barbarians. Durant son service, il perd également un tympan, ce qui est loin de le décourager puisqu’en 1954, libéré de ses fonctions, il signe avec la maison de disques Sun Records et enregistre avec le groupe The Tennessee Three son premier 45 tours : «Hey Porter» et «Cry, Cry, Cry». 100 000 exemplaires seront vendus.

Un an plus tard, Johnny Cash se lance en solo et donne naissance à une déferlante de titres rockabilly de «Folsom Prison Blues» à «I Walk The Line» et «Get Rhythm». Son nom est désormais sur toutes les lèvres, une popularité qui lui vaut de tenir le micro au Million Dollar Quartet aux côtés de Jerry Lee Lewis, Elvis Presley et Carl Perkins. Il fait également son apparition au cinéma dans le film Five minutes to live (il y joue le rôle d’un serial killer). Mais en 1957, le chanteur se brouille avec Sam Phillips, patron de Sun Records, et claque la porte du label au profit de Columbia.

C’est l’époque des tubes «All Over Again», «Don’t Take Your Guns To Town», celle des tournées à 300 dates et fatalement du mélange drogues-alcool. En 1961, il rencontre June Carter qui deviendra sa seconde épouse. C’est d’ailleurs cette dernière qui amène Johnny aux sommets de la gloire en co-écrivant «Ring Of Fire». Trois ans plus tard, Bob Dylan l’invite au festival folk de Newport. Johnny Cash est au plus mal : il se retrouve maintes fois arrêté pour possession de stupéfiants ou troubles de l’ordre public. Il brisera à maintes reprises - bien avant Kurt Cobain - sa guitare sur les projecteurs et a également inspiré Shining à Stephen King (il a détruit les chambres d’un motel à coups de hâche).

En 1967, il subit une overdose et ne remontera le cap qu’avec l’aide de June. Par gratitude et amour, il lui écrit un autre de ses morceaux phares : «I Still Miss Someone». Dès lors, sa carrière se rétablit, il obtient six Grammy et parcourt les Etats-Unis avec son autobus, le Johnny Cash Show, puis anime un show télévisé. Il continue enfin à jouer les méchants dans un épisode de Columbo et publie son autobiographie : L’Homme en Noir.

Dans les années 80, il lâche du leste suite à quelques problèmes de santé et abandonne Columbia. Il poursuivra pourtant sa tournée nationale en compagnie de son nouveau groupe, The Highwaymen. En 86, il tombe dans le coma suite à une double opération chirurgicale (il refusait de consommer des antidouleurs). Peu de temps après, il sympathise avec le producteur Rick Rubin qui donne un coup de jeune à sa carrière. Johnny Cash collabore avec U2 et Tom Waits puis Tom Petty, Soundgarden, Beck et les Red Hot Chili Peppers. Il fait également de multiples clins d’œil sur petit écran, dans les séries Beavis and Butt-head et Docteur Quinn, femme médecin.

En 1997, les médecins lui diagnostiquent une maladie neurodégénérative : le syndrome Shy-Drager. Il décèdera six ans plus tard, quelques mois après son âme sœur, June Carter. En 2004, il obtiendra un Grammy à titre posthume. En 2006, le film Walk the Line, (immortalisé par les interprétations de Joaquin Phoenix et Reese Witherspoon) retrace la vie mouvementée de cette légende éternelle. Le 12 septembre 2008 est célébré le cinquième anniversaire de sa mort.

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Enfance et Musique - EN ROUTE (2005-320KB/S)

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Jacky Galou - NAGAWICKA (1996-320kb/s)

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Attention, j'ai scanne 2 fois le front cover dans le fichier rar.Pour avoir le back cover, il vous faudra copier l'image du blog.

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KENNY DORHAM - Afro-Cuban (1998-320kb/s)

Kenny Dorham (McKinley Howard Dorham) était un trompettiste et compositeur de jazz américain né le 30 août 1924 à Fairfield (Texas) et décédé le 5 décembre 1972 à New York.

Kenny Dorham commence à apprendre la piano à l'âge de 7 ans. Il passe à la trompette lors de son entrée au « Wiley College » où il commence des études de pharmacie. En 1942, il est incorporé dans l'armée où il fait partie d'une équipe de boxe.

Libéré en 1943, il fait ses début comme musicien professionnel dans l'orchestre de Russell Jacquet. Il s'installe ensuite à New York où il joue pour Dizzy Gillespie, Billy Eckstine, Lionel Hampton et Mercer Ellington. Son timbre rond et doux à la trompette lui vaut le surnom de « Quiet Kenny ». De 1948 à 1950, il fait partie du quintet de Charlie Parker.

Dans les années 50, on l'entend dans la formation de Thelonious Monk, dans les Jazz Messengers d'Art Blakey et, brièvement, dans le quintet de Max Roach. Il dirige aussi ses propres groupes où l'on peut entendre des musiciens comme Bobby Timmons, Herbie Hancock, Joe Henderson, Charles Davis, Kenny Burrell, Butch Warren, Tony Williams,...

De la fin des années 50 à son décès en 1972, il est un musicien « free lance » très actif à New York. Comme sideman (pour John Coltrane, Randy Weston, Oliver Nelson, Jackie McLean, Clifford Jordan, Andrew Hill, Milt Jackson, Joe Henderson, Barry Harris, Cedar Walton ...) ou comme leader, il participe à de nombreux enregistrements. Parallèlement, il enseigne à la « Lennox School of Jazz », puis à la « NYU School of Music ». Il écrit aussi pour la revue Downbeat.

Il meurt en 1972 des suites d'un maladie rénale.

Trompettiste représentatif des styles bebop et hard bop, Kenny Dorham est facilement reconnaissable par son articulation singulière et son timbre chaud et feutré. Il brille spécialement dans l'interprétation du blues. Il introduit les rythmes de l'amérique du sud dans ses compositions ("Una mas"). Sa sensibilité et sa créativité font de lui un des trompettistes les plus excitants de son époque. Il est aussi le compositeur de nombreux titres qui son devenu des standards du jazz : « Blue Bossa », « Prince Albert », « Lotus Blossom », « Una Mas », « Whistle Stop »

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GEORGE FENTON - Original Soundtrack - Land Of Freedom (1995-320kb/s)

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JAVA - Hawaii (2000-320kb/s)

Avec une devise pareille, « Sex, accordéon et alcool », le rap-musette de Java ne pouvait qu’enflammer les foules. Pour sûr, le cocktail sympathique et allumé de ce groupe haut en couleurs, ce n’est pas de la menthe à l’eau, mais un bon dosage plein d’humour et savoureux, entre textes malins, ambiances électro, contrebasse déchaînée et des airs d’accordéon complètement déjantés. Lino Ventura dirait que Java, « faut quand même admettre que c’est plutôt une boisson d’homme », mais les femmes aussi y trouvent leur compte, et pour finir, tout le monde se fend bien la poire à l’écoute des rimes tordantes et des jeux de mots bien arrosés de nos cinq parigots préférés. En effet, non seulement Java a su renouveler le rap et la musette, deux genres musicaux quelque peu éculés à trop avoir été caricaturés, mais Java a aussi beaucoup fait pour la condition de la femme, en réhabilitant…Le Poil !

C’est en 2000 que Erwan (chant), Alexis (batterie), Jérôme (contrebasse) et François Xavier dit Fixi (claviers et accordéon), quatre têtes de chien à la langue bien pendue et au rap bien musette, mettent leur tambouille musicale délirant au menu du jour en publiant un premier opus, « Hawaï » où l’on peut retrouver des morceaux d’anthologie comme « Le Poil » (toutes celles qui souffrent le martyre à coup d’épilation à la cire doivent ABSOLUMENT écouter cette chanson géniale !) et « Sex, accordéon et alcool » (avec une chouette référence aux « Valseuses » : « décontracté du gland » ça vous dit quelque chose ?!?). Après la sortie d’un live en 2001, « Java sur Seine », Java est de retour dans les bacs en 2003 avec un nouvel opus, « Safari Croisière ».

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P18 Urban Cuban (1999-320kb/s)

Sous ce nom de code se cache Tom DARNAL, chercheur en son et image dans le civil, chef d’orchestre à la scène et (bien) entouré d’une foule d’artistes contributeurs en général. Tom commence son aventure musicale en 82 avec le groupe GPS, groupe totalement oublié dont le « Quand revient l’été » reste malgré tout classé au top 10 des singles punk français des Inrocks !! Il bifurque en parallèle dans le graphisme & devient bientôt le concepteur et designer de l’iconographie de la Mano Negra, avant d’intégrer définitivement le groupe aux claviers.

La fin de l’aventure Mano coïncide avec les premiers pas de P18 dans les caves de Patchanka en plein Paris 18ème avec des bandes de musiciens plutôt Electro et très inspirées Drum & Bass. Le 1er album « URBAN CUBAN » sort en 99 et concrétise l’une des premières fusion électro et world music, une expérience qui doit toute son authenticité à la complicité de Barbaro Teuntor, trompettiste cubain rencontré au cours de la tournée sud-américaine de Mano Negra en cargo, et sa famille qui ont immergé Tom dans le répertoire traditionnel des musiques de La Havane.

Un collectif composé de musiciens et danseuses, français & cubains, est mis sur pied, Tom & P18 entament alors une série de tournées emmenant le groupe à travers la planète tant en Europe qu’à Cuba ou aux Etats-Unis et en Chine. La musique de P18 sera à cette époque régulièrement utilisée comme support à des films hollywoodiens grand public tels que The Yard, Maid in Manathan, Chili con Carne… Et va contribuer à la réputation grandissante du groupe.

En 2002 sort « ELECTROPICA » unanimement salué par la critique ; Tom y pousse encore plus loin l’expérience électronique tout en restant au service du son traditionnel. D’autres tournées s’enchaînent : « Tant mieux si la route est longue, nous ferons le tour du monde »… jusqu’en 2004. S’en suit une période de break où Tom vaque à divers projets, en tant que réalisateur (Dvd Mano Negra ) ou compositeur (B.O films et documentaires).

La collaboration active de Thomas Martinez va permettre de jeter les bases de « VIVA P18 », nouvel opus du groupe. Tom revient à une conception plus traditionnelle dans le traitement du répertoire afro cubain, le tout émaillé de cette empreinte funky qui constitue l’un des éléments clé de son style. Les retrouvailles avec Sylvano Matadin bassiste d’Urban Dance Squad remettent sur pied un nouveau combo Live. Le ton se fait plus détaché, après une période militante et dilettante , Tom est revenu à une vision plus personnelle du monde, une attitude qu’il illustre par cette formule : « Anarchy is the key, latin is the Melody ».

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LA RUDA SALSKA - Le Prix Du Silence (1996-320kb/s)

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LA RUDA SALSKA - L'Art De La Joie (1999-320kb/s)

La Ruda est un groupe de rock alternatif festif de Saumur formé en 1993. Il est initialement appelé La Ruda Salska, nom inspiré de celui d'une ville polonaise : Ruda Śląska; mais aussi de leurs goûts musicaux (rock, ska, salsa), et donc de la musique qu'ils font. En 2003, ils décident de raccourcir le nom pour s'appeler La Ruda. Les modifications de la formation et du nom amènent également un changement dans leur style musical pour se diriger vers du pop-rock accompagné d'une section cuivre.

Une première formation se créé en 1993 à Saumur. Trois mois plus tard, le groupe enregistre un titre, Radio ska qui sort sur la compilation Ni Jah, ni maître.
Le groupe éclate en 1995. De ce premier groupe, il reste Pierrot (chant) et Manu (batterie). Viendront se greffer Fred (guitare), Jam (basse), Richtoune (guitare), Roro (trombone), Daddy (trompette), et François (saxophone).
Le groupe enregistre une démo de cinq titres, dont Porque no la vida, Babylone, et Radio ska. Le morceau Porque no la vida sort sur une compilation américaine Ska spanich language sur le label MOON RECORD.
Le premier album (Le Prix du silence) est enregistré dans un garage et sort en autoproduction en 1996. Le groupe signe avec Tripsichord qui distribue l'album (Tripsichord disparaîtra en même temps que Small Axe en 2004). François quitte le groupe en 1996 ou 1997, remplacé par Philly.
Le deuxième album (L'art de la joie) arrive en 1999, toujours distribué par Tripsichord.
En 1999, le groupe signe un contrat avec Yelen qui rachète alors les droits des deux premiers albums.
En 2000 sort le premier album live, reprenant des titres des deux premiers albums et 3 inédits : Roots ska goods joué par Loïc Da Silva -collaboration qui donnera par la suite l'album de reprise a l'accordéon- L'instinct du meilleur -morceau d'introduction des concert de La Ruda- et Candide révolver. La Ruda Salska change de bassiste: Jam s'en va, et Pee-Why arrive.
C'est en 2001 que sort le premier album studio chez Yelen, Passager du réel, le troisième album du groupe.
Le contrat avec Yelen est rompu en 2003 par Sony/Yelen. Le groupe monte donc sa propre structure: Les Associés du Réel. Le groupe sort ensuite l'album Loic Da Silva joue La Ruda Salska, avec 10 titres joués à l'accordéon, dont un inédit, Mado.
En 2004, un contrat est signé avec Wagram musiques pour la distribution mondiale (hors Canada réservé pour les Disque Indica). Ce contrat arrive avec la sortie du quatrième album studio du groupe, 24 images/seconde, souvent considéré plus rock par les critiques. La Ruda se "sépare" de son Salska, sans l'oublier totalement, car encore utilisé parfois lors des concerts.
En 2005 sort Dans la vapeur et le bruit, un double album et double DVD live, enregistré pour l'occasion au Chabada à Angers les 16, 17 et 18 décembre 2004. Pee-Why quitte le groupe et sera remplacé par Bruixe, ex-bassiste de feu Kargol's.
La trajectoire de l'homme canon sort en 2006. Suite à plusieurs Show-Case dans des magasins, La Ruda a l'idée de faire un album acoustique, et se lance dans l'enregistrement. L'album Les bonnes manières versions légères et inédites sort chez Irfan le 1^er octobre 2007.

Parallèlement à ce parcours discographique, La Ruda est avant tout un groupe de scène. Avec plus de 700 concerts au compteur, le groupe a su se faire connaître et attirer un auditoire toujours plus large. Les concerts sont toujours énergiques, le public chante, danse et saute dans tous les sens à l'image des musiciens, qui ne laissent que très peu de répit entre les morceaux.

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POSITIVE RADICAL SOUND - Bougnoule,Blacko,Negro,Bicot (1999-320kb/s)

Positive Radical Sound est un groupe qui nous vient de Caen, les petits gars de la troupe on fait leur petit bout de chemin et leur reggae-ragga écume les scènes et les esprits de France et de Navarre.

Tout commence autour d’un collectif de musiciens appelé « Dub Massive Posse » réunissant divers groupes régionaux tel que : Kétiloma, Bob Lézard, Lost Tribe, Massaï-Tiss, R-Kabalaya, Babouches Noires, Soul Keepers, Médina Médite, etc… C’est dans cet environnement que se forme le groupe Positive Radical Sound avec pour base une formation composé de cinq musiciens (Basse, Batterie, Clavier, Percus, Guitare, Pad Electro, Sax ainsi que trois chanteurs).
La fine équipe apré avoir fait quelques répètes fdait la première partie du groupe Saï-Saï, avec des morceaux essentiellement repris. C’est une réussite et les concerts s’enchaînent alors d’eux-même. Le groupe PRS commence à se faire une bonne réputation auprés du public de Caen et leur notoriété ne fait que s’agrandir.
Le groupe se définit comme des zicos éclectiques qui n’ont pas peur d’ouvrir leurs horizons musicaux tout cela teinté d’un humaniste partagé par tout les gens du groupe.

« Positive Radical Sound s’inscrit dans un concept de résistance dénonçant toute forme d’oppression, de manipulation, d’injustice et d’ignorance. »

L’année 1999 voit la sortie de leur premier 4 titres auto-produit et intitulé « Au delà démo ». Cette démo aura pour effet de les propulser sur le devant de la scène, en tant que première partie de gros groupes tel que Lee Perry, U-roy ou bien encore I Jah Man Levy.
Fort de leur expérience il embauche un manager/producteur et monte leur propre label « Les disques du T.A.F. ». Toujours dans la même année sort leur premier album « Bougnoule, Blacko, Negro, Bicot ». S’en suit une tournée de plus de 150 concerts à travers la France.
Le groupe Positive Radical Sound signe avec le label Tabou 1 en 2000 accompagné d’ une distribution chez Wagram. Pour un album qui se vendra bien (environ 7500 exemplaires).
En septembre 2001 le groupe se sépare finalement de leur label « Les disques du T.A.F. » pour une structure plus personnelle montée par eux-même sous le nom de « Terre-Mère ».
Dans le courant de l’année 2002, le groupe change de guitariste et Michel Mayetela rejoint la team. Qui sera changer lui aussi au profit de Pat, à noter l’ arrivée d’Elodie aux chœurs.
Durant l’été 2003 ils rencontrent Mad. Professor qui leur mixera deux de leurs morceaux.
C’est en Janvier 2004 que sort nationalement leur second opus «Ensemble » chez Tripsichord.

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THE DEFINITIVE STORY OF CBGB [2006 - 320 KBPS]

Le CBGB - acronyme de "Country-Blue Grass-Blues" a été pendant longtemps la scène de prédilection des groupes punk - ou assimilés - new-yorkais. Ouvert en décembre 1973 par Hilly Kristal dans le but d'y attirer les groupes de country/blues/blue-grass, le club va très vite devenir l'antre d'un tout autre genre de musique. A peu près tout la scène underground new-yorkaise des années 70 et 80 a joué au moins une fois au CBGB. Les Ramones y ont donné leur premier concert, c'est là que Dee-Dee a lancé pour la première fois son légendaire "One, Two, Three, Four". Là aussi que Television, Blondie, les Dead Boys, entre autres, ont débuté ou se sont fait un nom. Même le grand Lester Bangs a eu l'occasion d'y faire un boeuf avec ses potes musiciens. Plus tard c'est la scène "No wave" qui prit le relai et s'installa au CBGB, et après encore les groupes de punk hardcore y furent accueillis à leur tour. Mythique tout simplement.



Le CBGB a fermé ses portes en 2005, pour des raisons bêtement financières, après plus de 30 ans de bons et loyaux services pour la cause du rock'nroll. Cette compilation - 34 groupes sur 2 CD - lui rend hommage, de façon non exhaustive forcément mais le plus fidèlement possible, mariant groupes incontournables et d'autres presque oubliés. On peut toujours s'étonner de certains oublis - les Talking Heads par exemple -, s'indigner du choix des titres pas toujours les plus pertinents ou même regretter que ne soient pas privilégiés les enregistrements live au CBGB. Malgré tout, cette Definitive Story offre une superbe collection du rock underground US.

Otto

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LES CHARLOTS - Caf'Conc'Charlots (1968-320kb/s)

Les Charlots est le nom d'un groupe de musique français formé dans les années 1960, composé de Gérard Rinaldi, Gérard Filipelli, Jean Sarrus, Luis Rego et Jean-Guy Fechner. Outre leurs disques, ils doivent leur célébrité aux films comiques dans lesquels ils ont joué, comme Les Bidasses en folie, Les Fous du stade ou Le Grand Bazar.

En 1966, le groupe s'appelle Les Problèmes et accompagne Antoine en tournée. Il est alors composé de Gérard Rinaldi (chant), Jean Sarrus (basse), Gérard Filipelli (guitare solo), Luis Rego (guitare rythmique) et Donald Rieubon (batterie).

• Ils furent un des deux groupes français (avec Téléphone, plus tard) à assurer la première partie d'un concert des Rolling Stones.
• Ils sont considérés à l'époque comme les meilleurs musiciens français de studio par le magazine américain Rolling Stone^{[réf. nécessaire]}.
• Ils font leurs premières apparitions à la télévision avec Jean Yanne dans le Courrier des Shadoks^{[réf. nécessaire]}.

Peu après la formation des Charlots, Donald Rieubon les quitte et est remplacé par Jean-Guy Fechner, le frère de leur manager d'alors, Christian Fechner. Les Charlots se spécialisent dans la chanson humoristique et jouent dans plusieurs films comiques, qui connaissent souvent un grand succès en salle et s'exportent très bien à l'étranger.

Luis Rego se sépare officiellement des Charlots après leur deuxième film, Les Bidasses en folie, mais apparaît dans certains de leurs films suivants. Jean-Guy Fechner va quitter le groupe à son tour quelques années plus tard, à la suite d'une brouille entre son frère Christian et les Charlots. Au milieu des années 1980, alors que les Charlots rencontrent un succès moindre, c'est au tour du chanteur, Gérard Rinaldi, de quitter le groupe ; il sera remplacé par Richard Bonnot. Le trio (désormais composé de Richard Bonnot, Gérard Filipelli et Jean Sarrus) se sépare définitivement après un ultime film, Le Retour des Charlots, en 1992^.

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RIP VINYL DE MA COLLECTION, CRAQUEMENTS DE TEMPS EN TEMPS!

SKANKING THE SCUM AWAY (2000-320kb/s)

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A SOFT COMPILATION (2000-320kb/s)

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COTTON SWAB - To Clean Honey Cages (1999-320kb/s)

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LA CANNE A SWING (2006-320kb/s)

Des airs de valse à l'entrain d'une guinguette,en frétillant sur un rythme de boléro,tout cela mixé dans un cocktail "swing" : vous voilà immergé dans l'univers de la CANNE A SWING! kevin goubern et lolo blet sont à l'origine de cette formation. "puisant"dans le répertoire jazz manouche,le rythme et la mélodie qui accompagnent leurs créations musicales. c'est en indre-et-loire qu'ils ont fait leurs premières scènes,surprenant le public tourangeau. Ils enchainent actuellement les concerts au quatre coins de l'hexagone..

myspace canne a swing

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ASSOIFFES - Live 100% Pur Jus (2001-320kb/s)

Né en 1992 dans une cave de la banlieue nord de Paris, « Assoiffés » dans sa
première formation n’a pour but que de « boeufer » et de participer à quelques
concerts locaux.
En 1997 une formation solide apparaît et donne naissance en 98 à un premier
Cd : « Skapharnaüm », 4 titres auto produit qui sera rapidement distribué
par Tripsichord.
Décidé à persister dans l’auto production, il se crée autour du groupe l’association
« On Va Pas S’Gener ! » qui produit en 99 le deuxième Cd:
« Appellation incontrôlée », 14 titres originaux, distribué par Tripsichord.
Leurs nombreux dates de concerts et festivals (+ de 200) dans lesquels ils ont
croisé beaucoup de groupes comme Ludwig von 88, La Ruda Salska, Marcel
& son Orchestre, les Caméléons, K2r Riddim, Docteur Ringding ou Burning
Heads …, ont amené « Assoiffés » à enregistrer un live: « Pur Jus » 17 titres
enregistrés lors d’un concert en juin 2000 et toujours distribué chez Tripsichord.
Convaincu qu’une scène vraiment alternative peut exister, sans rechercher
publicité, ni médiatisation à outrance, c’est dans son public que « Assoiffés »
plonge ses racines, c’est pour lui qu’il joue et c’est celui-ci qui le fait exister.
Du Reggae pour s’tortiller, du ska pour sautiller, du Punk-rock pour pogoter,
des textes entre Margerin et les Bérurier, des cuivres et des choeurs féminins
pour les « pêches » ou les moments roots ……...

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AKHENATON - Meteque et Mat (1995-320kb/s)

Philippe Fragione est né le 17 septembre 1968 dans le 3ème arrondissement de Marseille. Issu d'une famille d'immigrés italiens originaires de Naples et de sicile, Philippe (AKH) se passionne très vite pour l'histoire (il va lire une encyclopédie entière à l'âge de 8 ans) les dinosaures, et l'Égypte^{[réf. nécessaire]} (il en tirera d'ailleurs son pseudo, AKHENATON, en référence à Akhénaton le neuvième pharaon de la 18e dynastie).

Jusqu'à ses seize ans, Philippe, appelé aussi Chill partage son temps libre entre les copains, le football et ses lectures. Après un séjour dans la famille de son père, installée à New York, Philippe découvre le rap. De ce jour, sa vision de la vie change totalement. Il vit alors avec son père, fonctionnaire à la Sécurité sociale et lui annonce alors qu'il n'a que 17 ans, son désir de faire du rap. Il poursuivra tout de même ses études mais abandonnera lors de sa première année de DEUG en biologie.

1995. A cette époque, Internet n'était pas encore développé, l'équipe de France d'Aimé Jacquet n'était pas encore Championne du Monde (à des années-lumière même) et Jacques Chirac allait être élu Président mais pas avec 82% (à des années-lumière même). Mais là n'est pas le sujet, nous allons plutôt nous concentrer sur le 1er album solo d'Akhenaton, l'excellent "Métèque et Mat". Cette solitaire apparition discographique du chanteur d'IAM n'est pas dû à une quelconque embrouille avec son collègue Shurik'n, loin de là, mais plutôt à un besoin de se retrouver seul pour évoquer des sujets personnels qui touchent presque à l'intimé de son auteur. En effet, on sent dans cet album une totale implication et un certain don de soi de la part d'Akhenaton qui a donné beaucoup de sa personne pour écrire cette LP très profond et touchant. Akh met ici au grand jour sont talent d'écriture mais aussi de narrateur, les histoires qu'ils débitent derrière le micro étant captivantes, teintés d'un réalisme historique et social qui font adhérer immédiatement l'auditeur. "Métèque et mat" est très fortement influencé par les origines méditerranéennes de Tchill, ses racines naturelles, la Sicile, et adoptives, l'Islam et l'Orient. Ces différentes cultures sont omniprésentes tout au long de l'album mais plus particulièrement sur des morceaux comme "L'Américano","la Cosca", véritable fresque historique des pérégrinations des immigrants italiens, ou "Dirigé vers l'Est". Outre la diversité des cultures, cette LP propose aussi une diversité des thèmes abordés. En plus des chansons relatives à ses différentes origines, on retrouve bien sûr des morceaux à dominante sociale, mais pas uniquement. J'ai ainsi pu constater que je n'étais pas le seul à avoir une dent contre ces maudits fonctionnaires, Akhenaton voulant carrément "Eclater un type des assedics". Moi je me contenterai de "foutre des feintes aux contrôleurs" comme dirait d'autres, m'enfin bon, on compte plus les corps de fonctionnaire à blâmer. Chose assez inhabituelle pour un rappeur, il manie avec finesse l'autodérision dans "Je suis peut-être...". Cette autodérision est souvent la marque d'une certaine maturité, surtout dans ce milieu où il est bon ton de se prendre pour un bonhomme et le plus fort. De toute façon, moi je dis ça mais bon, je ne suis qu'un sale petit con orgueilleux, moche, hirsute, écervelé, sans humour et s'apparentant à une grosse merde. Mention spéciale aussi à "Face B", hymne au rap underground, véritable catalyseur du hip-hop français, même si Akh n'en fait pas vraiment partie avec ses milliers, voir ses millions, de disques vendus. En conclusion, "Métèque et Mat" est un album très abouti dont les chansons sont d'un excellent niveau et par conséquent c'est un classique à mettre entre toutes les oreilles, initiées ou non.

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LES TRAPETTISTES - Mechants! (2000-320kb/s)

LES TRAPETTISTES :
Chanson énergisante aux arômes naturels d'accordéon. Cinq joyeux lurons proposeront une musique épicée, teintée de rock et de ragga, accommodée à la sauce musette. Les textes n'épargnent personne, épinglant chacun de nos petits travers…
Les Trapettistes partagent également tous les instants de leur vie : les discussions décousues sur le coin d'une buvette, leurs tendances ethniques dans la musette, la sensibilité d'une chanson de terroir, la dérision omniprésente des travers de l'homme…
Enfants de Charlie-Bové et José-Hebdo, ce club des cinq offre sur scène une symbiose de leurs chansons énergisantes et ne vous laissera pas les deux pieds dans le même sabot.

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BABIL - Des Rires Aux Sanglots (2006-320kb/s)

Le BABIL est une vocalisation spontanée émise par les nourrissons. Cette même vocalisation évolue chez l'être humain. Elle s'enrichit d'expériences nouvelles plus ou moins douloureuses, de rencontres humaines plus ou moins souhaitables, de litres de larmes comme des décibels gigantesques d'éclats de rire mais reste toujours aussi spontanée. Cette vocalisation spontanée , (ou ce babil), évolue par conséquent par le biais de différents modes d'expressions.

Le groupe BABIL est avant tout cinq hommes liés par une seule et même passion: la création. Son mode d'expression créatif est celui de la musique. Une musique remplie de carisme, de souplesse, d'extravagance, de folie et surtout de liberté. La liberté d'utiliser la musique comme un moyen d'expression à part entière et de poursuivre notre babil jusqu'à notre dernier souffle.

BABIL est réellement un nouveau concept musical où le reegae, le rock et le hip-hop s'allient de manière tout à fait originale. Mettre une étiquette catégorique sur ce groupe est difficilement envisageable, du moins pour toutes les personnes qui n'ont pas besoin de mettre les musiciens dans des cases toutes faites.Les textes sont le point d'honneur du groupe. La vie, la mort, la sexualité, la souffrance, la conjoncture sociale et politique sont des thèmes abordés avec sincérité. De façon générale, lors de leur prestation en public, ce dernier reste très rarement insensible. Leur énergie dégagée sur scène est contagieuse et leur franchise souvent appréciée. Les sourires et les larmes ne forment plus qu'un.

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UNIVERSAL EGG PRESENT - The Egg Files (1997-320kb/s)

Universal Egg was initially begun by Zion Train to promote Zion Train music and productions. This expanded into the release and promotion of what we consider to be undiscovered and beautiful music. There is no aim for world domination just a commitment to quality output.

With labels like Studio One, Blue Note, Real World, ECM and Sun Ra's Saturn imprint as inspirations Universal Egg has grown from humble beginnings, the first releases being distributed by London Transport, to having world wide distribution and a reputation to match.

Although the early releases were mainly Dub sounds the eclectic nature of the label was demonstrated on early releases like Robert Charlesworth's tranquil, Eno-esque 'Music for the Third Ear' and reached its pinnacle with the sublime 'Anoraks' by Penumbra. 2001 saw another genre explored by Universal Egg the beautiful new folk of the Headmix album 'Reach Out'

Dub is our first love with Vibronics, Tassilli Players, Nucleus Roots,Aabssi All Stars, Mad Professor and Zion Train providing the bedrock of the label's output. All of these artists help to maintain the reputation of Universal Egg as the most adventurous of UK Dub labels.

1998 saw the launch of our new vinyl label Deep Root following the traditional vocal/dub format. The response has been phenomenal...

2004 saw the second Vibronics long player 'Dubliftment' and a remix album of 'Original Sounds Of The Zion' with some amazing contributions from a bunch of exciting musicians.

As the early Zion Train works have become unavailable we have decided to reissue some of them and this reissue programme started in 2004 with a new edition of 'Power One', 'Power Two' and 'Jah Holds The Key' on coloured vinyl 7". This was followed by 'A Passage To Indica',and ' Natural Wonders Of The World In Dub', with 'Siren' following in 2006.

Love Grocer joined the Universal Egg family in 2005 and it was a great pleasure to release their third long player in 2006 alongside the debut album from the Abassi All Stars. We also released our first download only album with the Tassilli Players 'Ages Of The Earth in Dub' and hence entered another new chapter of the Universal Egg story with our dubplate downloads.

Radikal Dub Kolektiv and Nucleus Roots joined the Egg family in 2007 with their debut vinyl releases alongside the 'Dub Showcase' album from Abassi All Stars which with the new Zion Train album 'Live As One' made 2007 our most successful year yet. Plans for 2008 include 'Lead With The Bass Vol 3', and Dub Terror's debut long player so the future looks bright for all eggheads.

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DAWN PENN - No, No, No (1994-256KB/S)

Dawn Penn (born Dawn Pickering, 1952, Kingston, Jamaica) is a Jamaican reggae singer.

She recorded a small number of unsuccessful tunes for Prince Buster around 1966. In 1967 she recorded and released the rocksteady single, "You Don’t Love Me (No, No, No)" (in fact a remake of a 1961 blues tune called "You Don't Love Me" by Willie Cobbs, which itself was a remake of Bo Diddley's 1955 song "She's Fine, She's Mine" aka "You Don't Love Me"), produced by Coxsone Dodd at Studio One.^[1] She also recorded "Why Did You Leave" at Studio One, "Broke My Heart" for Bunny Lee, "I Let You Go Boy" and covers of To Sir with Love and Here Comes the Sun.

However by 1970, Penn had left the music industry and moved to the Virgin Islands. Nevertheless, in 1987 she returned to Jamaica and music.

In the summer of 1992 she was invited to appear on stage at a Studio One anniversary show, where she performed the single "You Don’t Love Me (No, No, No)" with Steely & Clevie as backing musicians. The performance was a great success, and she returned to the studio to re-record the song for Steely & Cleevie's Studio One tribute album. It was released as a single over a year later, topping the charts in the U.S., Europe, and her native Jamaica.^[2], and reaching #3 in the UK.

Subsequently, her single has been sampled and covered by the artists Kano, Hexstatic, Jae Millz, Ghostface Killah, Mims, EVE ft. Stephen Marley and Rihanna. Their versions were all renamed as "No, No, No", bar Ghostface's which was named "New Splash". Lily Allen has also sampled "You Don't Love Me" in her song, "Shame For You". The song was also performed by Blue King Brown on Australian youth radio network Triple J as part of their Like A Version program in 2006.

Penn performed with Faisal X at the Drum, Birmingham, UK in April 2006.

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ANIS - La Chance (2005-160kb/s)

Anis, 28 ans, aura ramé avant de connaître le succès. « Les choses n'ont pas été faciles, en effet. Mais j'ai croisé la chance, je l'ai reconnue et j'en ai fait un album, La Chance... », sourit celui qui a grandi « à Cergy, dans le 9-5 », auprès d'un père médecin marocain et d'une mère assistante sociale russe.
Ce qui frappe d'abord chez lui, c'est sa voix. Un vrai crooner. Pour reprendre les mots de France Gall à propos d'Ella Fitzgerald, Anis c'est « comme une gaieté, comme un sourire, quelque chose dans la voix qui nous fait sentir étrangement bien ».

S'il voue un culte aux stars du swing et du be-bop comme Sarah Vaughan et Nat King Cole, Anis se nourrit aussi de Peter Tosh, Public Ennemy, Screamin' Jay Hawkins et des 3 « B » Barbara, Brel et Brassens. Chanson, hip-hop, reggae, blues et soul, son répertoire reflète toutes ses influences. Engagées mais jamais amères, les chansons d'Anis ont le goût d'un diabolo menthe : rafraîchissantes à la première gorgée, piquantes à la deuxième. Qu'il parle d'intégration ou qu'il salue les mérites de l'oisiveté, son « flow de paroles » (18 lignes minimum par titre) est toujours au service d'idées. Bref, une chanson populaire qui respire la vie.

Le garçon a fait ses armes « à l'arrache » dans le métro parisien. Dur, mais plus « tripant » que l'école, qu'il a quittée en première ES parce que « c'était hypocrite d'aller au lycée pour sécher ou fumer bédo sur bédo ». C'était plus honnête d'aller s'entraîner « le mercredi après-midi avec des groupes de reggae comme K2R Riddim à la maison de quartier ». Ou de « prendre le train du piano à 17 ans ». Repéré par un directeur artistique, il lui aura fallu dix ans pour percer et enregistrer un « sept titres » écoulé à près de 15 000 exemplaires.

De quoi attirer l'attention des maisons de disques : « Je n'avais qu'à choisir et faire monter la sauce », confie ce fan de BD, qui collectionne les Stan Smith d'Adidas depuis qu'elles ont servi de symbole pour une campagne de SOS Racisme. Aujourd'hui, Anis est heureux de défendre sa Chance sur scène. Son rêve ? Parcourir le monde comme le chanteur Antoine. « Il s'est pas fait la belle vie, sans dec' ? », rigole-t-il avant de s'éclipser.

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MEI TEI SHO - Live-

RETIRE DE LA LISTE SUITE A LA DEMANDE DE LEUR MANAGEMENT!

NO SPORTS - Riddim Roots An' Culture (1998-256kb/s)

o Sports waren eine von 1985 bis 2002 bestehende Ska-Band aus dem Raum Stuttgart.

Ende der 1980er und Beginn der 1990er Jahre gehören No Sports mit Skaos aus dem bayrischen Krumbach, The Busters aus Wiesloch, The Braces aus Jülich, El Bosso & die Ping-Pongs aus Münster und Blechreiz aus Berlin zu den ersten Wegbereitern der Deutschen Ska-Szene und absolvieren miteinander zahlreiche Konzerte.

Insgesamt durchliefen 27 Musiker die Band, deren Muskrichtung anfangs nur aus klassischem Ska, später auch Elemente aus Hip-Hop, Rap, Raggamuffin und Reggae beinhaltete. Ihre größten Erfolge hatte die Band mit den Songs „King Kong“, „Stay rude, stay rebel“ und „Girlie, Girlie“ an die sich jeweils eine Deutschlandtournee bzw. eine ausgedehnte Europatournee mit Gigs in Italien, Frankreich, der Schweiz, Deutschland, Belgien, Holland und Dänemark anschloss. Auf internationalen Festivals trat die Band zusammen mit Laurel Aitken auf.

Seit Anfang 2005 tritt die Band als Nu Sports wieder auf. Im Juli 2008 ging Nu Sports auf Tournee nach Japan.

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